Exposición
Todo arte visual es óptico. La luz, un símbolo tan potente en toda cultura humana, es también una de nuestras más importantes tecnologías. Para nuestros primeros antepasados, las únicas fuentes de luz eran el sol en el día y la bioluminiscencia en la noche. Incluso hasta el siglo XIX, nuestra única tecnología de luz era la llama.
La bombilla eléctrica incandescente y sus herederos cambiaron eso para siempre. Hoy en día, la luz no sólo ilumina, es el secreto de la fibra óptica, de la infraestructura láser con la que se alimentan nuestras ubicuas computadoras.Todos nuestros lentes y pantallas de teléfonos celulares comparten una característica: buscan controlar la luz. Necesitamos luz, pero queremos controlarla. Nuestras pantallas de televisión, así como las pantallas de nuestras computadoras, dan forma a la luz en filas y rangos. Los protocolos de transmisión sacan al tiempo fuera de la ecuación: exigimos lo instantáneo. La luz está en todas partes, organizada en las tecnologías ópticas.Los artistas reunidos en esta exhibición agrupan la luz que construye nuestro mundo. Cada uno de nosotros vive en muchas eras. Somos la generación electrónica.
Pero también somos aquellos que aman la luz del fuego, y los que andan en las colinas más altas por las noches para ver el eterno movimiento circular de las estrellas. El más antiguo y, a la vez, el más moderno de los medios de comunicación, la luz es el medio de nuestra existencia como animales históricos.El orden de la luz es el desorden del tiempo y el orden del tiempo es la libertad de la luz. Celebramos a medida que lamentamos, tanto las salpicaduras de las fuentes de luz como el rayo rectilíneo, y contemplamos las políticas sutiles mientras nos involucramos en la hábil poética representada en el arte de la luz, en este momento, en esta ciudad, única en los anales de la creación.
Texto: Sean Cubitt, curador
Obras en exposición
Nascent
Gina Czarnecki
Australia, 2005
Nascent es la combinación y confrontación entre imágenes en bruto y técnicas aplicadas en la fase de postproducción. En Nascent, los bailarines del Australian Dance Theatre hacen una performance con coreografía e improvisación, formando una estructura densa y rítmica que distorsiona el tiempo real. Los gestos de los bailarines y los cuerpos, serenos y aislados, se entrelazan poco a poco, indistinguibles y frenéticos. El procesamiento de las imágenes crea nuevos indicios de movimiento que aparecen como blips en la transmisión o vibraciones digitales, donde el cuerpo y su imagen se sincronizan por un momento y luego se desenchufan, dejando atrás rastros de piel impresa, como rastros de la persistencia de las imágenes.
Pan No.6 (of clocks and steps)
Daniel Crooks
Australia, 2007
Mediante el uso de técnicas provenientes del video y la fotografía se modifican imágenes cotidianas, revelando en ellas una sensibilidad poética. La obra trabaja el concepto del tiempo, usado como una base material y que puede ser maleable para estirar y distorsionar la realidad. A pesar de que la producción de la obra es compleja, ya que el proceso de creación de las imágenes expuestas requiere precisión técnica y conceptual, esto no resulta evidente en el resultado final. Como otras obras de Crooks, esta puede interpretarse como una estructura de tiempo enrevesada y hermosa, una transformación de la realidad que conocemos a través de los medios electrónicos.
El Blériot de Acevedo en el Bío-Bío Pintura Aeropostal No. 132
Eugenio Dittborn
Cortesía Alexander and Bonin, Nueva York
Chile, 2000
El Blériot de Acevedo en el Bío-Bío es la Pintura Aeropostal Nº 132 de Eugenio Dittborn, y se trata de una carta enviada desde Chile, a Eugenio Dittborn, su autor, para ser expuesta en Lima. Llegan las aeropostales y, en ellas, desplegadas y colgando del muro, se concentran los ojos. Luego se dispersan ante la partida inminente. Las pinturas aeropostales viajan a través de la red internacional de correos como cartas plegadas y se exhiben en los destinos como pinturas desplegadas. Al desplegarse y exhibirse en su destino, la pintura exhibe pliegues y sobres: son las señales de que la pintura ha sido una carta y se convierten, además, en parte de la propia pintura. En el correo la maniobra consiste, entonces, en hacer pasar una pintura por una carta.
Scenario (linterna # 4)
Francisco Tropa
Cortesía Galerija Gregor Podnar, Berlín/ Liubliana
Galería Vermelho, Sao Paulo
Portugal, 2011
Scenario es una instalación que incorpora varios dispositivos de proyección. Concebida como pequeñas esculturas que siguen principios de funcionamiento de linternas mágicas, su fin principal es proyectar imágenes. Se trata de imágenes cotidianas que cambian entre lo familiar y lo irreconocible, entre la expectativa de reproducir algo específico y la posibilidad de reproducir su potencial de representación y especulación, de recrear apariencias y la estimulación de la capacidad para generar imágenes. El título Scenario es una referencia a la construcción de un espacio, indicando a su vez un espacio suspendido, que reaviva nuestra experiencia de creación y cautiva nuestra imaginación para investigar las verdades de la naturaleza y el origen del arte.
Retinal ce 2013 [405 line interlace]
David Connearn
Reino Unido, 2013
El trabajo de David Connearn tiene sus raíces en un enfoque reduccionista del dibujo. Comienza trazando una línea a mano alzada horizontal, debajo de la cual dibuja una segunda línea, tratando de coincidir exactamente con la primera. Este proceso se repite hasta un tamaño determinado. Las obras resultantes tienen una variedad de ecos visuales: estratos de roca, vistas aéreas del océano o acabados del tejido de una tela. Las texturas son determinadas por el minuto sucesivo, acumulando curvas en cada golpe. Los bordes se derivan de los pequeños desajustes de inicio y final de cada línea. Son dibujos producidos por sí mismos, como una serie de respuestas reflejas.
So much I want to say
Mona Hatoum
Cortesía del artista y el LUX, Londres
Canadá, 1983
Mona Hatoum llegó a Inglaterra a los 23 años en una visita que se prolongó debido al estallido de la guerra civil en el Líbano, lo que le impidió regresar a su país. El conflicto estaba en su apogeo durante las décadas del setenta y ochenta y rara vez tenía contacto con su familia. Durante largos periodos de tiempo le era imposible llamar por teléfono o incluso enviarles cartas. Su video, So much I want to say (Tengo tanto que decir), fue producido durante esta etapa de su vida. Consta de una serie de imágenes fijas, desarrollas una cada ocho segundos, revelando el rostro de una mujer (la artista) que llena la pantalla. Dos manos masculinas amordazan repetidamente a la mujer. En la banda sonora, la voz de la artista repite una y otra vez las palabras “tengo tanto que decir”.
Milagros y Flores Cuánticas
Francesco Mariotti
Perú, 2013
Instalación interactiva sonora y lumínica. 120 matamoscas multicolores crecen alrededor de las palmeras del jardín de la Fundación Telefónica. Están iluminados por diodos luminosos.
“…pantallas de la luz, para que la luz se detenga, retroceda un instante y se reconozca…”
Roberto Juarroz, Poesía Vertical.
Pero esa misma luz los atraviesa por la fina malla para posarse sobre el blanco tronco de las palmeras, reproduciéndose a sí misma. Y es la misma luz la que se refleja sobre los espejos, los exvotos, los milagros que nos miran, los ojos.
Son flores cuánticas.
Delyside
Francesco Mariotti
Perú / Suiza, 2012
Las ampollas que contienen la dietilamida de ácido lisérgico (LSD) han sido sustituidas por “ampollas cuánticas”, LED luminosos intermitentes de color verde que son activados por fotones que generan un circuito eléctrico en un panel fotovoltaico.
Las dos obras proponen un diálogo entre lo mágico y lo científico, lo psicodélico y lo tecnológico, lo milagroso y lo cuántico.
Glenlandia
Susan Collins
Escocia, 2005 – 2006
Desde septiembre de 2005, y a lo largo de un año, una cámara web estuvo transmitiendo imágenes de Loch Faskally, en Perthshire, Escocia. Esta cámara web, ubicada en el Laboratorio Fisheries Research Services (FRS), registraba las imágenes pixel por pixel y segundo por segundo. Cada imagen se obtiene de arriba a abajo y de izquierda a derecha, en franjas horizontales y de forma continua, marcando oscilaciones visibles en la luz y el movimiento durante el día; las imágenes son presentadas en intervalos de dos horas. Glenlandia es un trabajo destinado a explorar la relación entre el paisaje y la tecnología a través del tiempo, tomando como materia prima la transmisión, la creación de redes y el tiempo.
Low Resolution Works: Running Falling Series: Ambiguous Icon 5 Running Falling
Jim Campbell
Estados Unidos, 2000
Esta pieza corresponde a una serie de obras LED que juegan con bucles de video compuestos de figuras que toman formas diversas. En Ambiguous Icon 5 Running Falling un individuo ambiguo corre y cae, moviéndose repetidamente a través de un paisaje desconocido hasta romperse en una ruidosa abstracción. La legibilidad de la figura se ve forzada por el número de LEDs que la componen y que semejan una matriz de pixeles. La obra se centra en el momento cuando el movimiento se vuelve inteligible y la codificación binaria y de caos se transforma en información útil. Pero, ¿el verdadero sentido de la expresión está en la imagen final o en el ojo del espectador? Después de todo, es el espectador quien reconoce la imagen.
